La obra de Damien Hirst versa, prioritariamente, sobre la muerte. Es en la muerte, la velocidad de la vida, la fragilidad humana, la flaqueza de lo biológico, donde descansan sus instalaciones, esculturas y objetos.

¿Cuánto será aspiración a la fama y cuánto un juego alevoso e inteligente con los elementos y las polémicas del arte contemporáneo? Eso quizá lo sabremos con el tiempo, cuando algo de la máscara de Damien Hirst (Bristol, 1965) se deteriore frente a los documentos, testimonios y juicios históricos —la última validación del arte—. ¿Quién puede asegurar que los extraños berrinches, caprichos y juegos económicos de este artista inglés no son parte de un personaje creado para jugar con las deficiencias teóricas, económicas y célebres de los procesos y mercados “posduchampianos”? “El honesto embaucador”, ha escrito Mario Vargas Llosa.

Damien Hirst no es un creador salido de la nada. Su historia se cuenta junto a la de uno de los grandes cambios mercadotécnicos y teóricos de las artes visuales inglesas. Mientras en Estados Unidos se sentía ya la decadencia del Pop Art, se creaba en el Goldsmiths College of Arts de Londres lo que hoy conocemos como el YBA (Young British Artist), un grupo de jóvenes que surgió como una “táctica de choque” para la crítica de su tiempo, utilizando materiales cotidianos sobre temas tan polémicos y espectaculares como la religión, la sexualidad, la muerte, la violencia o la decadencia de los “valores familiares”.

Al YBA pertenecieron muchos de los nombres más reconocidos del arte contemporáneo inglés de este siglo. Damien Hirst organizó en 1988 la ya mítica exposición Freeze en un edificio abandonado, imitando la sencillez con que años antes los jóvenes hermanos Saatchi (Maurice y Charles) habían abierto su primer negocio de arte contemporáneo. Charles Saatchi conoció a Hirst en Freeze y así comenzó una colaboración extraordinariamente polémica entre compra-venta-creación-exhibición-difusión que llevó al galerista y al artista no sólo a la discusión teórica sobre la validación y la oferta-demanda de las artes visuales frente al capitalismo o al neoliberalismo, sino también a las páginas de sociales, amarillistas, de chismes y de espectáculos alrededor del planeta hasta 2003, cuando terminó su relación por “motivos monetarios”. Cada nuevo paso de Damien Hirst es anotado más por la crónica de espectáculos que por el periodismo cultural. Más como una “curiosidad”, o en la columna de “anécdotas” (junto a las nuevas proezas de Paris Hilton) que en las secciones de arte. Pese a esto, muchos serios protagonistas en el circuito serio de las artes todavía observan y discuten su propuesta creativa.

La obra de Damien Hirst versa, prioritariamente, sobre la muerte. Es en la muerte, la velocidad de la vida, la fragilidad humana, la flaqueza de lo biológico, donde descansan sus instalaciones, esculturas y objetos. Fechada en 1991, su pieza más reconocida, The Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living (La imposibilidad física de la muerte en la mente de alguien vivo), es una instalación con vidrio, acero, silicón y el cadáver de un tiburón tigre de cuatro metros en una solución con 5 por ciento de formaldehido que tiene mucha más profundidad de la que podría parecer. Esta pieza es una de las primeras exploraciones de Hirst, no sólo en la decadencia del establishment del mercado, la ciencia y el arte, que pretenden controlar la existencia y la extinción: también busca asomarse a la conceptualización de la realidad, la imagen y la vida. Hoy, el tiburón es una de las piezas más visitadas en el área contemporánea del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, y encontrarlo produce una sensación abrumadora.

El tiburón de Hirst forma parte de una de sus primeras y más largas series, Natural History, a la que se suman otros tantos animales en formaldehído, algunas veces enteros y otras veces cortados transversalmente (una vaca y un becerro en Mother and Child,Divided, que obtuvo el Premio Turner en 1995), y quizás una de sus más interesantes piezas, llamada Mil años, un contenedor de cristal donde una cabeza de vaca es devorada por moscas que salen de sus larvas; comen y mueren electrocutadas por un matamoscas electrónico, mostrando un “moderno” ciclo de la vida (esta pieza también es famosa porque fue la primera que le compró Saatchi, y por la que le ofreció un contrato de por vida).

Damien Hirst no es sólo el artista que metió un tiburón a un tanque de formaldehído: es también un artista que tiene algo que decir, aunque lo que dice normalmente es una serie de peroratas egocéntricas. Es un creador prolífico, aunque parezca ridícula su primera posición en 2008 como el “artista más rico del Reino Unido”, desbancando incluso a roqueros. Tal vez su obra mejor lograda sea convertirse en este personaje cínico que, pese a todo, ha puesto en discusión, bajo la lupa, desde la crítica, varios de los soportes, procesos, medios, mercados y contextos del arte contemporáneo que no deberían ser ignorados. m

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Para leer

:: Artefactos de muerte no simulada. Damien Hirst en México, de Francisco López Ruiz. Universidad Iberoamericana, México, 2012.

:: Damien Hirst. Tate Publishing & Enterprises, Londres, 2012.

:: Nothing Matters, de Damien Hirst y Gordon Burn. Other Criteria Publishing, Nueva York, 2010.

:: The $12 Million Stuffed Shark: The Curious Economics of Contemporary Art, de Don Thompson. Palgrave Macmillan, Nueva York, 2010.