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Tres exploraciones al tema de Dios en el arte contemporáneo

¿Qué tan libre es hoy crear sobre Dios? Dolores Garnica presenta el trabajo de Daniel Guzmán, Andrés Serrano y Heléne Aylon, artistas que han abordado el tema de la divinidad desde la trinchera del arte contemporáneo. 

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Heléne Aylon es la mente detrás del «G-d Project»
Heléne Aylon es la mente detrás del «G-d Project»

A partir del siglo XIX, cuando los críticos declararon la “escisión absoluta” entre arte y religión, los artistas visuales intentaron —e intentan— reflexionar en torno a la espiritualidad y la fe desde aquellos puntos de vista vedados antes a su libertad, aunque su exploración resulte todavía detonante de discusiones sobre los derechos de expresión y la censura, como si crear sobre cualquier cosa no incluyera transgredir, preguntar o cuestionar nuestra relación con lo divino. ¿Qué tan libre es hoy crear sobre Dios?

 

El nacional

Daniel Guzmán es reconocido por muchos como uno de los más importantes artistas visuales contemporáneos de México. El creador capitalino de raíces oaxaqueñas ha sabido bien explorar, mediante el dibujo y la instalación, esas preguntas que nos hacemos en medio del caos, la información, la inconformidad y la imposición religiosa, a partir de nuestras fortísimas raíces icónicas y visuales. Trabaja desde 2012 (aunque ya antes había intentado acercarse al tema) una serie de dibujos titulada La pasión y el éxtasis, acerca de la imagen religiosa y nuestros tiempos plagados de información visual. Dibujos sobre pasajes de la Pasión y muerte de Cristo intervenidos con dibujos y caricaturas (en su mayoría tomadas de la extrañísima serie de animación estadunidense titulada en México como Hora de aventura), creando collages en grafito carentes de coherencia, pero estructurados de tal manera que parecen fusionarse con la imagen típica del rock (uno de sus temas favoritos), la iconografía religiosa popular y sus ambientes kitsch, más los personajes de la caricatura de donde surgió el subtítulo: “—¿Quién eres tú? / —Tu espíritu. / —¿Mi espíritu? / —Tú tienes miedo de estar solo”.

 

La tradición

En 1987, el neoyorquino con raíces hondureñas y afrocubanas Andrés Serrano obtuvo el Premio a las Artes Visuales del Southeastern Center for Contemporary Arts, copatrocinado por el National Endowment for the Arts, agencia gubernamental  dedicada a apoyar proyectos artísticos. Mereció el reconocimiento por la ya legendaria fotografía Piss Christ, la imagen de un cristo de plástico sumergido en orines. La pieza se expuso, y quizá, si no fuera por la validación del gobierno al otorgarle el premio en efectivo, nada hubiera pasado. Días después, senadores republicanos pusieron, literalmente, el grito en el cielo, y se tuvo que discutir, una vez más, la relación entre el respeto a los creyentes de cualquier religión, la libertad de expresión, la controversia que genera una obra de arte (que puede ofender a los fieles) y su probable apoyo gubernamental, además de múltiples amenazas y actos vandálicos hacia el artista y su pieza. La discusión sigue en el aire y Piss Christ resulta hoy, más que una fotografía, un símbolo para los defensores de la libertad del arte.

Andrés Serrano es fotógrafo de vocación y trabajo, y desde siempre dedicó su producción artística a explorar la relación entre el alma y el cuerpo (con todo lo que lo corpóreo abarca, incluso sus funciones convencionalmente no tan bellas), mediante lo que tenía a la mano: el catolicismo tradicional que le enseñaron sus padres. Este crucifijo era sólo uno de los tantos objetos-reliquias que el artista sumergió en sangre, leche materna, agua y semen, intentando reflexionar acerca de la encarnación divina. ¿Cómo crear un aura bella para estos objetos mediante fluidos corporales? La respuesta está en la imagen: ¿cómo la veríamos sin la información técnica? En 1992, Serrano trabajó la serie Morgue, fotografías de cadáveres abandonados, con la iluminación y el encuadre necesarios para recrear motivos religiosos con ellos. Su exploración continúa, pese a la controversia que él mismo dice detestar.

 

Constancia

Heléne Aylon (1931, Nueva York) es reconocida mundialmente como una de las más interesantes artistas multidisciplinarias adscritas al neofeminismo ecologista, y lo es porque ha sabido saltar del panfleto y la obra literal a piezas y acciones artísticas con fuertes agregados poéticos y conceptuales más complejos que facilones. En 1984 comenzó su G-d Project (la omisión de la o responde a la tradición judía de no pronunciar el nombre de Dios), una serie que sigue trabajando y que explora el papel de la mujer en la religión y su relación con Dios. La materia prima de la artista es su propia historia: desde que se casó con un rabino, hasta su “liberación”.

La primera pieza de la serie, Liberation of G-d, surgió al corregir el acta de matrimonio de su hijo, que no incluía los nombres de las madres de los novios. Después del escándalo en su comunidad (sólo uno de seis rabinos avaló la corrección), decidió ir por un acta más grande, y así nació la monumental instalación: los cinco libros de la Torá, todos subrayados indicando presunciones, rituales, apariciones y leyes sobre las mujeres, con lo que intentaba resolver un fenómeno que creía más un problema de interpretación y de lectura que de mandato divino. En la pieza se puede leer: “I look into the pasajes / where patriarchal attitudes / have been projected onto / G-d / as though man / has the right to have / dominion / even over / G-d” (“Miro en los pasajes en que las actitudes patriarcales / han sido proyectadas en / Dios / como si el hombre / tuviera el derecho de tener / dominio / incluso por encima de / Dios”).

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